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Aunque la salida de la Playstation 4 y la Xbox One sea inminente, y los gamers ya empiecen a dar el salto de generación, la Play 3 apuesta a su última gran exclusiva: The last of us. El equipo de Naughty dog, creador del exitoso Uncharted, ideó un juego en el que las relaciones humanas, el drama y el suspenso son el centro de atención en un mundo post apocalíptico. Ya que la música será la herramienta principal de la historia, decidieron convocar a Gustavo Santaolalla, el músico argentino ganador de dos Oscars por Babel y Secreto en la montaña, para que debute en el mundo de los videojuegos y aporte su experiencia cinematográfica.

“Para componer, me inspiré de lleno en el guión; fue un gran desafío pasar del cine a los juegos”, cuenta Santaolalla. “Se necesita el triple de música. Una película dura dos horas; en cambio, un juego requiere de veinte para llegar a cada lugar. En The last of us podés estar diez minutos en el mismo lugar del mapa y es necesario que la música no se repita, que vaya mutando”.

En este survival action en tercera persona, encarnamos a Joel, que, junto a su pequeña compañera Ellie, trata de subsistir en un mundo devastado por la epidemia que convirtió a los humanos en zombies. La idea surgió cuando sus creadores vieron un documental sobre un hongo que infecta la mente de las hormigas, utiliza su cuerpo –una especie de explicación científica de cómo es una hormiga zombie– y se traslada a los humanos. El objetivo es sobrevivir a los infectados y a otros sobrevivientes que quieren robar lo poco que el protagonista pudo salvaguardar.

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“Para componer, me inspiré de lleno en el guión; fue un gran desafío pasar del cine a los juegos”, cuenta Santaolalla.

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“La historia está contada de una manera muy emotiva. La idea no es solo centrarse en la acción, sino también en el vínculo de los personajes, y los límites que se tienen que pasar para sobrevivir. Creo que es el futuro: lograr que la gente se involucre y no quede solamente en esa cosa de bajar  muñequitos… Por algo lloramos en el cine, porque nos involucramos”, remata Gustavo. En cuanto a su incursión en los videojuegos, si bien aclara que nada de lo que realizó en su pasado se compara con esto, cree que tiene algunas similitudes con el trabajo que realizó para el film Amores perros: “También era una historia que iba para atrás y para adelante, mezclando y combinando los momentos con la música”.

Si bien Santaolalla no se considera un gamer, cree que poco a poco los videojuegos van a destronar a la pantalla grande: “Siento que es algo contemporáneo, como en su momento lo fue el cine. Ese fenómeno en el que podés meterte en una historia, participar y afectar de alguna manera los resultados; es algo novedoso y, sin duda, una de las grandes artes de nuestro tiempo”.

Este juego con guión y música de cine, y con muchas llamadas de las series de TV post apocalípticas, estará disponible en Argentina a partir de mediados de mes en los Sony Stores, a un precio de $699, y pretenderá marcar una gran despedida para la PS3.

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“Esta es una ficción. No se basa en una historia real”, se lava las manos desde el primer segundo una película que se llama… Phil Spector. Ah, arrancamos bien. Explicame eso. Y David Mamet, que alguna vez fue Dios y hoy es solo un director de cine, nos lleva al rincón de los tontos y nos explica. Phil Spector no es una película sobre su vida; de hecho, apenas revisa su pasado y toca de costado su obra musical. Lo que Mamet pone en escena es lo que lamentablemente hoy casi todo el mundo sabe del creador de la wall of sound: el asunto alrededor del supuesto asesinato de su mujer, Lana Clarkson, por el que hoy paga condena tras las rejas. Ya en la primera escena lo deja claro de una manera exageradísima, cuando la abogada (Mirren), que todavía no pretende relacionarse con el caso y menos con el propio Spector, hace una gracia en la que confirma que ningún menor de treinta años sabe siquiera lo que es un tocadiscos.

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Si obviamos la extravagancia del propio Pacino al componer su personaje, empezamos enseguida a notar algo interesante. La película trabaja sobre la idea de que no hay pruebas contundentes que indiquen que Spector debe ser condenado, plantea dudas (un poco a la Oliver Stone en JFK) y lo mejor: sugiere que prácticamente lo consideraron culpable por estar un poco loco. Y esta osadía parece que molestó a varios. Bancamos a Spector. Bancamos a Mamet. Bancamos a Pacino. Qué fáciles somos.

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Phil Spector
De David Mamet
Con Alan Pacino y Hellen Mirren

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¿A este formato de la anti entrevista lo pensaron junto con I.Sat o fue una idea de ustedes y luego de asociaron con el canal?
Es un proyecto que empezó como un juego para pasar el rato. Salimos con mi socio, Ariel Martínez Herrera, a hacer entrevistas para divertirnos. Empezamos con Martín Piroyansky que es amigo y vecino, y seguimos con el resto en el orden en el que están. Grabamos cuatro y un año después logré reunirme con I.Sat. Ellos se coparon y completamos el total de ocho entrevistas que forman la primera temporada.

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Además del tema de la duración, ¿qué crees que tiene de distinto pensar un programa para Youtube a idear uno para la tele?
Más allá de la duración tuve la suerte de trabajar con total libertad creativa y eso es casi impensado en la industria televisiva. Básicamente, Internet es horizontal y es un mercado tan grande que aún no tiene pautas claras. La tele, en cambio, tiene muy pocos espacios. A veces veo compañeros quejándose de que en los Estados Unidos hay esto o aquello y acá no. Más allá de que entiendo esa angustia, la realidad es que es un tema que tiene que ver con el tamaño del mercado. Acá somos menos y hay menos plata. Internet ayuda si los canales y las marcas empiezan a ver esa veta. Creatividad y gente con ganas, sobra.

Pareciera haber como una especie de familia de actores o famosos que suelen participar en este tipo de proyectos. ¿Cómo seleccionaron a los invitados/entrevistados?
Es una mezcla de amistad y afinidad. En mi caso tengo buena onda con todos o cierta cercanía. Cuando quise conseguir gente por fuera de mi círculo tuve dificultades. Ya de por sí la instancia de entrevista genera una tensión, y poner su casa para un piloto con un extraño que se comporta como un pelotudo, ni te explico. Quizás ahora sea más fácil y pueda ampliar el rango de entrevistados.

Cada capítulo logra hacer sentir incómodo al espectador, algo muy similar esa vergüenza ajena que transmite The Office. ¿Cómo encaran el rodaje? ¿Planean cada situación o es algo más improvisado?
El rodaje lleva unas dos horas desde que llegamos a lo del entrevistado hasta que nos vamos. Yo tengo una estructura en la cabeza pero transcurre como una entrevista “normal”. En algunos casos pensamos cosas específicas, como ir al supermercado con Inés Efrón, por ejemplo, pero lo que más me interesa es ir a fondo sin demasiada pauta, estar incómodos de verdad.

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¿Cómo sigue esto? ¿Van a pasarlo en algún momento de la programación del canal o se va a poder ver sólo por Youtube?
Creo que durante junio va a estar al aire en el canal. Habíamos hecho una apuesta con la cantidad de espectadores en Youtube y como gané yo lo pasan al aire y me invitan a cenar a un lugar de primera. Todavía no definimos cuál.

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Famoso
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En el comienzo fue una serie británica, responsabilidad de Ricky Gervais y Stephen Merchant, que solo duró dos breves temporadas y tres especiales, cerrando con un total de trece episodios, una cifra menor en comparación a los doscientos uno logrados por la versión estadounidense, esa que acaba de bajar la persiana americana tras nueve temporadas.

La franquicia The office demostró ser rendidora al sumarse adaptaciones en varios países, como Francia, Alemania, Israel, Canadá y Chile, siguiendo todas el férreo lineamiento de adaptar los primeros tres episodios para después volar con libertad, el pivote que transformó a la versión estadounidense en una de las series más importantes de los últimos tiempos. En el cambio, Michael Scott –insuperable Steve Carrell, americanización del David Brent de Gervais– pasó de ser ese jefe insufrible, cargoso e insoportable, energúmeno odiado por todos y todas, a transformarse en el personaje adorablemente patético, provocador de una vergüenza ajena infinita.

Los pronósticos pesimistas que veían precipitarse la calidad de la serie con la partida de Carrell, dos temporadas atrás, fueron acallados a fuerza de ideas ingeniosas y química de grupo.

Como alguien señala por ahí, la premisa inicial del programa era hacer foco en el reinado de quien bien podría ser el peor jefe del mundo, que no sólo no era consciente de su condición sino que creía ser el mejor jefe del mundo, como rezaba una taza en su escritorio. Con el tiempo, Michael Scott se metió debajo de la piel de todos gracias a una humanización cuidadosamente trabajada, esa misma que de a poco se trasladó a los demás personajes por la sumatoria de actitudes en la oficina o los atisbos de sus vidas personales, algo difícil de separar en las últimas temporadas. Así, todos tuvieron al menos sus quince minutos de exposición, fama y provocación de cariño al público: desde el gruñón de Stanley, el desahuciado Toby, la alegremente ebria y exhibicionista Meredith, el indescriptible, singular Creed –una vertiente humorística en sí mismo– o Kevin, ese querendón payaso involuntario, dueño de algunos de los mejores momentos de los últimos años. Por supuesto, al principal elenco coral se le fueron sumando varias caras conocidas –Will Ferrell, Rashida Jones, James Spader, Kathy Bates, Amy Adams, etc.– para seguir elevando el descontrol al que ya se habían agregado varios guionistas (B.J. Ryan Novak, Paul Toby Lieberstein, Mindy Kelly Kaling).

Con la estética y la excusa de la grabación de un reality show, basado en el día a día de Dunder Mifflin –una oficina de venta mayorista de papel que bien podría estar ubicada en cualquier parte de los Estados Unidos–, a lo largo de las nueve temporadas hubo tiempo para ahondar en un sinfín de tramas, desde los vaivenes de la relación romántica de Jim y Pam, eje central de varios episodios, hasta las idas y vueltas en el escalafón interno, deteniéndose en los pecadillos y virtudes de esos empleados que conforman un micromundo con leyes propias. Y la relación entre Dwight y Angela. Y Andy y Cornell. Y chistes de “¡Eso dijo ella!”.

Los pronósticos pesimistas que veían precipitarse la calidad de la serie con la partida de Carrell, dos temporadas atrás, fueron acallados a fuerza de ideas ingeniosas y química de grupo. Poderosa e intensa, como demuestra el episodio final, cierre rosa a modo de puesta al día de las vidas del staff de Dunder Mifflin; una pequeña joya, quizás más por la emoción de la despedida que por los chistes. O quizás porque finalmente se explicita la verdadera naturaleza de la versión norteamericana de The office, una serie sobre la vida y los roles que a cada uno le toca jugar en ella, no solo en un cubículo, puertas adentro. La vamos a extrañar. Mucho.

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Después el éxito del GTA: Vice City, y del juego indie Hotline Miami, que contaba la violenta historia de un asesino a sueldo en los años 80 con varios guiños a la era de División Miami, los creadores del FarCry3 (Ubisoft) decidieron tomar otra parte de la cultura de la aquella década: la visión VHS de las películas y series de esa época sobre el futuro cercano. Soldado Universal, Rambo, El vengador del futuro, Tron, Mad Max, entre otros recuerdos nostálgicos, son los nombres que vienen a la cabeza cuando suenan los sintetizadores del soundtrack de Blood Dragon.

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Blood Dragon transcurre en esta exótica isla, con la modalidad de mapas abiertos para explorar y atacar de cientos de maneras diferentes, ya sea “stealth” o disparando frontalmente.

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Si bien se llama FarCry 3, porque utiliza el mismo motor gráfico y la modalidad de juego shooter en primera persona, no tiene absolutamente nada que ver. En 2007, después de la violenta guerra de Vietnam 2, el mundo quedó totalmente contaminado bajo el poder del mal. La liberación está en nuestras manos, ya que encarnamos al sargento Rex Power Colt, un cibercomando Mark IV, mitad humano, mitad máquina, interpretado por el ícono hollywoodense Michael Biehn (Terminator, Aliens y El abismo). Con espíritu renegado, Rex tratará de salvar al mundo de las garras de un malvado Saddam robótico que domina el planeta con su ejército de máquinas humanoides y, para eso, deberá viajar a una remota isla en la que se esconde su base secreta.

Blood Dragon transcurre en esta exótica isla, con la modalidad de mapas abiertos para explorar y atacar de cientos de maneras diferentes, ya sea “stealth” o disparando frontalmente. Con mucho humor, y cientos de guiños para los cinéfilos ochentosos, la acción transcurre de manera frenética, con armas futuristas y enemigos que hacen recordar a los malos de la película de Michael Jackson, Moonwalker.

Esta joyita de la creatividad en neón, digna de ser jugada en una videocasetera PAL N, estará disponible solo de manera digital, vía Steam para PC, y en las redes Xbox Live y Playstation Network.

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Para PC, XBOX360 Live y PS3 Playstation Network.

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En el primer episodio de Girls, que salió al aire en la primavera de 2012, descubrimos a una joven de veinticinco años, aprendiz de escritora, con un físico poco agraciado pero con estilo, que les explica a sus padres –que le acababan de cortar los víveres– su ambición en la vida: “Creo que podría ser la voz de mi generación…”. Ante la cara de sorpresa de sus progenitores, precisa: “O al menos una voz, de una generación”. Un año más tarde la frase empezó a formar parte del lenguaje común, y Lena Dunham, su autora, que escribe, dirige y actúa en la mayoría de los episodios de la serie, logró realmente ese objetivo. La señorita de Brooklyn es uno de los nuevos fenómenos estadounidenses, amada o burlada mucho más allá del impacto de su programa, del que todo el mundo habla pero pocos miran: en HBO, 700 mil televidentes promedio siguen las aventuras de cuatro amigas un poco perdidas en Nueva York.

¿Cuáles son los signos visibles de este éxito fulgurante? Su triunfo en la última ceremonia de los Golden Globes, de la que Dunham se fue con los trofeos de mejor actriz y mejor serie cómica, y su spot de campaña para la reelección de Obama, destinado a los estudiantes, en donde comparaba el hecho de votar por primera vez con desvirgar suavemente (“La primera vez no hay que hacerlo con cualquiera, y menos con aquel que piensa que los gays no deberían tener derecho a matrimonios complicados como los que vemos todo el día en los reality shows”).

La lista de hazañas de Lena Dunham es larga. Incluye un texto de Joyce Carol Oates publicado en una revista que le augura una larga carrera, un contrato de 3 millones y medio de dólares firmado con la editorial Random House para un primer libro –en el que dará consejos sobre todo, desde sexo hasta viajes–, un millón de seguidores en Twitter que son adictos a sus ocurrencias y curiosos sobre sus gustos, y más. Lena Dunham, admiradora de Nora Ephron, la directora de Sintonía de amor, confiesa también adorar a Olivier Assayas y a Mia Hansen-Løve desde que quedó subyugada por su película Un amour de jeunesse. Recientemente tomó coraje y twitteó: “Quizás Olivier Assayas y Mia Hansen-Løve quieran invitarme a compartir su intimidad. Comeríamos sopas sustanciosas y un buen queso, sería completamente relajado”. Hasta el momento, nadie vio todavía a Lena Dunham en la cama de la pareja.

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Dunham encarna todas las asperezas de una época, y hace de ellas su tema principal.

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Superdotada (escribe sus guiones en poco días), durante mucho tiempo infeliz (sus TOC fueron tratados en dos capítulos conmovedores de la segunda temporada de Girls), casi siempre graciosa, Lena Dunham aporta una frescura y una rareza muy oportunas en la cultura de los veinteañeros. La generación Y tuvo como héroe al activista de internet Aaron Swartz, que se suicidó en enero. En un estilo menos radical, Dunham encarna, por su parte, todas las asperezas de una época, y hace de ellas su tema principal.

En un documental dedicado a ella, Dunham evoca el ambiente natural de Hannah, su personaje, que se le parece mucho (la serie parece una autoficción). “Creció en el mundo de los mensajes de texto, del chat, de las redes sociales, donde los chicos toman Ritalina y para las chicas es más aterrador encontrarse con un chico en la realidad que subir a Internet una foto de ellas desnudas.” A propósito de esto, cualquiera que ya haya visto un episodio de Girls conoce en detalle la anatomía de Lena Dunham, digna de una estatua de Botero. Su exhibicionismo y su egocentrismo forman parte de las burlas y las críticas más frecuentes sobre ella; también se le reprocha ignorar a los personajes no blancos. Su manera de poner en escena su cuerpo anti-maniquí es sin embargo menos complaciente que atormentada, cercana a la tradición del cine burlesco. Su visión muy cruda de la sexualidad y su trabajo de reinterpretación de las representaciones amorosas son innovadores. A su manera, Lena Dunham opera una improbable unión entre el feminismo sarcástico de Tina Fey (guionista y humorista, creadora de la comedia 30 Rock) y la frontalidad de Tracey Emin, la artista inglesa de la generación de Damien Hirst, conocida particularmente por su instalación My Bed, presentada en la Tate Gallery de Londres en 1999: una cama con las sábanas sucias, y en el piso objetos personales y preservativos usados, medias, una bombacha manchada con sangre…

Si las tetas y el culo de Lena Dunham no son un secreto para nadie, la historia de su vida, en cambio, es menos conocida. Fiel al cliché de “hijos de”, esta chica de 27 años es hija de dos artistas de la Gran Manzana, el pintor Carroll Dunham y la fotógrafa y diseñadora Laurie Simmons. Laurie colabora a menudo con su hija y le contó a Vanity Fair, con un tono levemente irónico, cómo fueron sus comienzos en la comedia: “Entrenó mucho para ser graciosa, pero durante un tiempo sus chistes no causaban gracia. Ella intentaba cosas y nosotros le decíamos: ‘Bueno, Lena, eso no es gracioso’”.

El mundo en el que evolucionó la actriz-guionista-directora desde su infancia tiene poco que ver con el brillo hollywoodense. Estudiante de la escuela de arte de Oberlin, en Ohio, hasta 2008, Dunham dirigió muy joven un largometraje artesanal, Creative Nonfiction, así como varios cortometrajes. Uno de ellos, Dealing, fue seleccionado en un festival independiente marginal al de Sundance, en donde conoció a los miembros del colectivo Red Bucket Films, creado por los hermanos cineastas Josh y Ben Safdie, dos figuras del underground neoyorkino. “Josh me ayudó mucho para pasar a la etapa siguiente”, explicó Dunham, cuya película Tiny Furniture (10) arrasó en el híper publicitado festival SXSW y tuvo un estreno mínimo en sala en los Estados Unidos (en la Argentina pasó por el Festival de Cine de Mar del Plata).

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Hace cuatro años, Dunham compartía una oficina con Greta Gerwig, inspiración del movimiento mumblecore –a veces comparado al Dogma escandinavo de mediados de los noventa. Su llegada actual a los márgenes de la cultura mainstream es un milagro. Uno de los principales responsables de este cambio de categoría es el rey de la comedia estadounidense, Judd Apatow. Seducido por Tiny Furniture, el director de Virgen a los 40 dio su aval en el momento de vender Girls a HBO. Desde entonces, ella lo llama su “segundo padre” y él habla de ella como su “hermana del alma”.

En pleno éxito, Lena Dunham ya no tiene ni un segundo libre. Girls fue confirmada para una tercera temporada, y tiene que escribir el guión. En un texto dedicado a su relación tortuosa con los perros (¡!) publicado en marzo en The New Yorker, la nueva estrella evoca su vida cotidiana: “Nada de mi existencia actual me convierte en una persona ideal para tener un perro. Primero, nunca estoy en la casa. Trabajo todo el tiempo, y cuando no trabajo, duermo atada a mi sillón. Me cuesta levantarme. No voy al supermercado hace un año. Mi heladera tiene yogures vencidos, un vinagre viejo y medicamentos que se tienen que conservar fríos. Estoy al borde de hacer esa cosa horrible que se ve en las comedias románticas, en donde la mujer activa neoyorkina con mucho coraje pero poco lugar disponible llena su horno con sweaters y zapatos”.

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Aniversario número treinta y uno de la Guerra de Malvinas. Año electoral. La excusa para la miniserie de trece capítulos que estrenó la TV Pública se caía de maduro. Combatientes apareció el 2 de abril –justamente–, y unos días después falleció Margaret Thatcher, la doña de ultraderecha que estaba en el sofá de Downing Street por ese entonces. El timing era perfecto.

Fueron poco más de dos meses de guerra usados para tapar la mala imagen que cosechó la junta militar. ¿Qué más se podía decir sobre estos pibes a los que mandaron a morir para intentar lavar la imagen de un gobierno de facto que ya tenía treinta mil razones para hundirse? Lo que quedaba era contar historias chiquitas sobre cómo llegaron estos civiles a ser soldados en quince minutos, comandados por un impresentable que quiso hacernos creer que era la patria lo que defendían. La miniserie busca, quizás, hacer visible un tema que abunda en los medios durante un mes al año, pero que pocas veces se profundiza escuchando a sus protagonistas: los soldados que fueron a morirse de frío sin un ejército que los respalde, capacitado para afrontar una guerra contra una potencia, y que volvieron unas semanas después, de noche, a escondidas y en silencio, para que nadie vislumbre la derrota. Combatientes reivindica lo que desde 2003 todos reivindican: la causa que más garpa y la que al menos una vez al año aparece en la tapa del diario (en abril o en la apertura de sesiones de la Asamblea General de la Naciones Unidas ante el reclamo presidencial de soberanía). Y muestra, sin intención de abarcar el todo, lo que tiene menos rating: que los soldados pasaban hambre, cómo se mataban entre sí por su inexperiencia, las cuestiones escatológicas propias de una vida precaria en el medio del campo, las pocas noticias que llegaban desde Buenos Aires y todo ese universo trash (se los ve comer hasta pasta de dientes) que carece del glamour de cualquier serie de guerra yanqui.

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Propone, además, otra forma de ver TV de aire: ya no es necesario –porque si hay un canal al que no le importan las mediciones de IBOPE, es al siete– estar atentos a que termine el resumen de medios para verla. No hay que hacer malabares ni demasiado espamento para encontrarla. Casi inmediatamente después de que termina cada capítulo, ya está subido a Youtube y en HD. A este gobierno (y, por extensión, a su gestión en relación a los contenidos audiovisuales) lo recordaremos por volver a poner en la agenda las causas que muchos creían olvidadas, sí, pero también por haber armado este Banco Audiovisual de Contenidos Universales Argentino (BACUA), donde se hospedan miniseries de trece capítulos que le dan de comer a buena parte de los directores, productores y actores made in acá nomás.

Combatientes trae (por herencia de Pol-ka o de Cris Morena, quizás) ese famoso recurso tan recurrente en las novelas de aire, que usan la pérdida de memoria del protagonista como punto de partida para contar la historia. Pero si dejamos de lado este detalle (tampoco molesta tanto), vemos que la miniserie va y viene entre el pasado, el presente (la posguerra) y el durante de los meses en Malvinas. Los que no murieron tampoco volvieron de fiesta, eso se sabe. Y ahí, nuevamente lo que pocos dicen: con o sin democracia, ser ex combatiente de Malvinas no suma en un curriculum. Ninguna empresa necesita héroes.

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Los trece capítulos de Combatientes se pueden ver en el sitio de la TV Pública.

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El fantasy tuvo, durante mucho tiempo, una mala reputación televisiva. En el mejor de los casos, se decía que el género era menor; en el peor, que era kitsch, con títulos que oscilaban entre esos dos polos como Hércules, los viajes legendarios; Xena, la princesa guerrera o La leyenda del buscador, justo las tres producidas por Sam Raimi antes y después de sus Spider-Man. Más o menos en serio, con mejores o peores efectos especiales, la magia no enganchaba. O solo era algo para chicos (la versión BBC de Merlín, sobre la juventud del mago, tipo Superman en la serie Smallville). Incluso, cuando se trata de adaptar obras importantísimas del género (el ciclo de Terramar de Ursula K. Le Guin o las novelas del Mundodisco de Terry Pratchett), el resultado son miniseries o películas para televisión que aburren a más no poder.

Y entonces apareció Game of Thrones en abril de 2011 por HBO. La gran mayoría de los espectadores no sabía nada de los libros originales (la saga Canción de hielo y fuego, de George R.R. Martin, había pasado inadvertida a principios de los noventa) y no estaban preparados para lo que iban a ver. Ni siquiera los contados lectores de la saga, de hecho. Creada por David Benioff (guionista de Troya, esa que tiene a Brad Pitt haciendo de Aquiles) y por D.B. Weiss, con la colaboración de Martin, la serie expone las luchas de poder entre diversas familias reales para conquistar el llamado Trono de Hierro, símbolo absoluto para reinar en los Siete Reinos. Por un lado, entonces, tenemos a los leales y derechos (y entonces, un poco aburridos) Stark; por otro, los tres decadentes (y entonces, divertidos) Lannister y, un poco más lejos, más allá de los mares, los venidos a menos Targaryen, refugiados en lo de los amenazadores Dothrakis.

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Aunque se aconseja estar lo más vestido posible en Game of Thrones, es el número de escenas de desnudo y sexo, ya presentes en el libro, lo que acerca al género a aquellos que lo creían pomposo y convencional.

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La serie conquistó al público y puso al fantasy de moda por sus tortuosas intrigas de corte y su violencia nada edulcorada. Hay torturas (con ratas) y decapitaciones (el modo de ejecución oficial), lo que lleva el promedio de muertes a unas catorce por capítulo. Algunas repercusiones: los títulos en animación, que muestran una cartografía de los reinos, son parodiados (y citados) en Los Simpson. Reconocimiento último de la cultura popular, entonces. El hablar dothraki, cuidadosamente armado por un lingüista, se volvió una de las lenguas ficticias más populares después del klingon de Star Trek. La expresión “game of thrones” es incluso utilizada en los medios estadounidenses para designar toda batalla política espinosa, desde la reforma del sistema de salud hasta la guerra civil en Siria.

Aunque se aconseja estar lo más vestido posible en Game of Thrones, es el número de escenas de desnudo y sexo, ya presentes en el libro, lo que acerca al género a aquellos que lo creían pomposo y convencional. Sexo con consentimiento, sin consentimiento, más o menos con consentimiento, incestuoso: el abanico es amplio, dentro de los límites de lo que un canal de televisión puede mostrar, y sin aventurarse en terreno gay. Aaron Sorkin había inventado el walk & talk en The White House, es decir, hablar de política mientras se camina por los pasillos. El capítulo piloto de Game of Thrones ofrece la “sexposition”, en la que se diserta sobre el poder o la guerra en medio de mujeres en topless.

La serie tiene éxito porque no se parece, en una primera mirada, al fantasy. Hay, en Game of Thrones, una gravedad de la apuesta, del tono (¿qué hacer con el poder?), que le debe tanto al género como a la series históricas del cable, en las que el pasado es sinónimo de estupro (Roma, Los Tudors). Los guiones, hábiles, no dejan a ningún personaje al abrigo de una muerte repentina o de un infortunio que los pueda hacer caer desde muy alto (a veces, en el sentido literal de la expresión). Otra ventaja de Game of Thrones es hacer un fantasy low cost: los monstruos son leyendas (o muertos, como ese lobo gigante en el capítulo piloto), la magia aparece contadas veces mientras que el episodio final de la primera temporada nos recuerda, de forma casi modesta, que la serie se desarrolla en otro lugar y no durante la Guerra de los Cien Años. Y cuando llegan los dragones, el espectador no afecto al género ya fue cautivado por una buena historia. De hecho, definida por sus creadores como una “Soprano en la Tierra Media”, Game of Thrones se inclina hacia el análisis profundo de las sociedades o los clanes patriarcales con reglas muy rígidas (como Mad Men) en donde las mujeres serían utilidades: objetos o madres portadoras que prolongan el linaje real.

¿La serie va demasiado lejos en esta dirección? El exceso alcanza nuevas cimas en la segunda temporada con, según sus detractores, demasiado sexo que no hace avanzar la acción. El guión dedica una parte importante a Littlefinger, el encargado de un burdel, conspirador, cuyas actividades y empleados se detallan de punta a punta. Ahí, los retozos de los clientes son observados por otros clientes, ellos mismos espiados por el propietario del lugar. Como si la explotación sexual fuera el único negocio rentable en el mundo de Game of Thrones. Felizmente, también aparecen algunas mujeres con carácter y autoridad: la interesada reina Cersei Lannister, preparada para todo con tal de conservar el poder; Daenerys, débil princesa ofrecida como mercadería a los Dothraki, pero que va a afirmarse como jefa, también ella dueña de su sexualidad; Yara Greyjoy, guerrera educada por su padre como si fuera un chico, o Shae, prostituta romántica.

Shae es la favorita de Tyrion Lannister, hermano de Cersei y personaje cada vez más central a medida que avanzan los episodios. ¿Su originalidad? Es un enano, pero no de feria. Muy bien interpretado por Peter Dinklage, Tyrion hace que nos olvidemos de aquellos barbudos folclóricos y gruñones aparecidos en El señor de los anillos de Peter Jackson. Tyrion es un vividor, cliente desenfrenado de las prostitutas, estratega letrado y conversador refinado que quiere ir más allá de su condición gracias a su inteligencia. El que dirige la batuta es él: la prueba extraña de que, en el universo altamente sexuado de esta serie, poco importa el tamaño. La lujuria y un enano. Esa es entonces la simple combinación para imponer el fantasy, a través de sus márgenes, en la pantalla chica. Hacer, de un género mal visto, un mal género perfectamente recomendable. Y de Game of Thrones, una de las series más exageradas nunca vistas en la televisión.

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La tempestad

ADELANTO > “La verdad siempre es aburrida o terrible”, dijo Sansa Stark al comienzo de la tercera temporada de Game of Thrones, pocas semanas antes de que otro domingo, a la misma hora pero por otro canal, un culebrón judicial de poder, millones que van y vienen e infidelidades se convirtiera en la vedette de la TV argenta. La verdad, aburrida, terrible o ambas cosas a la vez, será televisada, y la miseria, la codicia y la traición serán recodificadas en clave show, ya sea en el canal de aire como en el premium. Es que el éxito de la serie hit de HBO –que ya fue renovada para el año que viene, con ratings récord– no se limita al cuasi softcore medieval al que nos acostumbró desde el primer capítulo, ni a esos tres dragones a los que fuimos viendo crecer, y ni siquiera a los zombies de hielo que le volaron la cabeza a medio mundo al final de la segunda temporada. Es la mezcla de todo eso dentro del barro de una sociedad decadente que se aferra a una racionalidad y a un costumbrismo que le quedan chicos a la realidad que palpan. Y este es el año en el que todo eso explota.

Instalado ya el inmenso universo creado por George R.R. Martin para Canción de Hielo y  Fuego (A Song of Ice and Fire) –van cinco novelas publicadas, de unas mil páginas cada una–, esta tercera temporada presenta la serie como una versión más audaz de sí misma, tanto emocional como intelectual y visualmente, con la responsabilidad de adaptar la primera mitad del libro más importante de la saga, Tormenta de Espadas (A Storm of Swords). Cada año, ese mapa que ilustra la presentación del programa va sumando lugares, agigantando el relato de un reino en guerra, en el que los escudos y los grandes lores importan cada vez menos frente a la constante amenaza de hambruna, tortura, peste y… muertos que se levantan del lecho para perseguir a los vivos.

Esa magia que espanta a muchos (el que nunca leyó fantasy suele ser muy vehemente a la hora del rechazo hacia lo sobrenatural) pero atrae a otros tantos, no solo va sorprendiendo al espectador, sino también a los protagonistas, que desconfían de los cuentos de dragones y muertos vivos que vienen desde las nieves del norte. “Monstruos de los que te hablaba tu niñera”, dice Tyrion Lannister en uno de los primeros episodios. Esa magia que todos creen desaparecida se va haciendo cada vez más presente, enriqueciendo pequeños personajes (pocas veces hubo tantos y tan interesantes) y amenazando o ayudando a sus protagonistas.

Pero Martin no es Tolkien, y en su mundo inestable, plagado de violaciones, saqueos y nenes muertos, la verdadera violencia no viene de los seres mitológicos. La épica de la bondad tolkeniana, esa que enfrenta a los muy muy malos y sucios orcos con valientes guerreros en una danza moral farisea, no tiene lugar en Westeros. Mucho menos en Tormenta de Espadas, la bisagra de esta estructura dramática que Game of Thrones vino construyendo, una verdad terrible sobre otra. Starks y Lannister van a sufrir como nunca, pero el manto fantástico que va a ir cubriéndolo todo a medida que pasen los capítulos aparece para resaltar que la mano manchada de sangre, esa que más lastima, siempre es la de un par. / Fiorella Sargenti

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Game of Thrones
De David Benioff y D.B. Weiss
(HBO)

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Además, Liza Minnelli, Ben Stiller, Kristen Wiig, Conan O’Brien y Seth Rogen son algunos de los invitados confirmados que aparecerán en algunos episodios. Vean acá abajo el trailer.

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