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Entre todas las debilidades que suelen aquejar al lector, la peor, o una de las peores, quizá sea la de rastrear filiaciones. El viejo vicio de jugar al policía: ¿a qué remite, a qué se parece?, ¿cuáles son las influencias? Leer raspando, rastrillando, cepillando, para descubrir los autores o los textos que se esconden detrás. La tonta obsesión por descubrir el palimpsesto, las huellas. Es más: muchas veces pareciera que la competencia de una lectura pasara por ahí.

Con Minga!, de Jorge Di Paola, reeditada ahora después de veintiséis años, esa compulsión a establecer parentescos se ve rápidamente frustrada. O en todo caso, es tal la constelación de lecturas que, desde las primeras páginas, pareciera desplegar la novela (Gombrowicz, Macedonio Fernández, Osvaldo Lamborghini, Copi, Borges, entre muchos otros), que esa tarea se vuelve imposible. O idiota. Mejor entrar y listo. Dejarse arrastrar por el caleidoscopio inopinado y vertiginoso del relato. Por los saltos en el espacio y en el tiempo, por los insólitos encadenamientos de la anécdota, por los cambios bruscos de registro; por la prosa disparatada, en suma, de Jorge Di Paola, siempre envolvente, risueña, inspirada.

Es tal la constelación de lecturas que, desde las primeras páginas, pareciera desplegar la novela (Gombrowicz, Macedonio Fernández, Osvaldo Lamborghini, Copi, Borges, entre muchos otros), que esa tarea se vuelve imposible.

Novela experimental, sí, Minga!, novela del lenguaje. De la invención de un lenguaje. Un lenguaje indudablemente argentino pero al mismo tiempo torcido, desplazado, salido del cauce de los modismos y la fórmula. Minga! es una novela del desacato al llamado de las sirenas de su época (un objeto ficcional no identificado), “un corte de manga a la madeja del barullo general”, como le dice, aludiendo a la poesía, el Pueta a Pablo von Paulus, el protagonista de la novela, en uno de los pasajes. Relato de olvidos, de sueños, cuya lógica responde a leyes todavía ignoradas y en donde una gallinita de cristal (un barómetro) alcanza para puntear las locas peripecias. Una “trenza” que pareciera que se fuera “a armar en cualquier momento” (pero no), atravesada por constantes digresiones e injerencias metaficcionales, siempre en clave cómica, paródica (“Qué terrible es seguir las tradiciones del narrar”). El humor como el sustrato más evidente en el que se apoya todo el texto, y en donde vienen a clavarse, como espantapájaros, los nombres de los seres y las cosas: Pablo von Paulus, Natacha Filipovna, María-María, el Ectoplasma, Solytierra, los pueblos Huyamos-de-aquí o Puerto Amnesia. Minga! es también, y por último, novela de amor inconcluso, irresuelto; una novela que “no tiene un fin, aunque acaso un por-fin”, ya que el texto finalmente se queda “sin punto de vista”.

Oponerse a la forma, liberarse de la forma, aconsejaba Witold Gombrowicz en Ferdydurke. Di Paola aprendió la lección. Minga! no es otra cosa que una bella puesta en práctica de los consejos del maestro.

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Jorge Di Paola
Minga!
(FCE)
232 páginas

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James Franco hace tantas cosas que es difícil seguirle el rastro. Primero lo conocimos como actor contenido en la Spider-Man de Sam Raimi (2002) (algunos lo hicieron en 2001, en un biopic algo deslucido sobre James Dean para la televisión), antes de enterarnos de que Judd Apatow y Paul Feig le habían ofrecido su primer papel importante en la serie Freaks and Geeks, en 1999. Franco era Daniel, un lost kid con una sonrisa plácida al que amamos al instante. Luego fue a arrastrar esa bella figura y esa pinta de idiota sublime en la única película de Nicolas Cage como director (Sonny, de 2002, en la que interpretó a un gigoló), trabajó con Gus Van Sant (Harvey Milk, de 2008, en la que era el amante del político interpretado por Sean Penn), con David Gordon Green (Pineapple Express, de 2008, dirigida por David Gordon Green y producida por Apatow), y con Danny Boyle (la mediocre 127 horas en la que él, al menos, se destacaba).

Todo esto habría alcanzado para llenar cualquier agenda, pero no la de este workaholic de 34 años. Se puso a dirigir películas (el sitio IMDb tira unas veinte, entre cortos, largos y en preparación: ¡la mayoría inéditas o invisibles!), a escribir varios cuentos (Palo Alto), a publicar poesía, a componer canciones, a interesarse por las artes plásticas (ya expuso varias veces)… Pero también a estudiar, de forma compulsiva, casi absurda: entre 2006 y 2012, se inscribió en más universidades que las que podemos contar con los dedos de una mano, con resultados aparentemente convincentes. Ahora, estaría terminando una tesis en literatura inglesa en Columbia, por ejemplo.

ENTREVISTA > Trabajás en tantos proyectos al mismo tiempo que se hace difícil seguirte. Hay una película alrededor de Bukowski que dirigiste hace algunas semanas en Los Ángeles…
James Franco: Estoy totalmente metido en eso, pero tuve que interrumpir para promocionar Oz: el poderoso. Planeo terminar la película el mes próximo. Es un proyecto con el que estoy encariñado desde hace tiempo.

¿De qué se trata exactamente?
Por el momento se llama simplemente Bukowski. Se trata de su juventud. Bukowski tuvo una infancia muy dura, su padre abusaba de él. Pero a través de su arte, logró hacer de esa experiencia traumática algo casi cómico, sin que pierda nada de su potencia emotiva. Me gustaría capturar algo de ese tono en mi película.

Solo filmaste un par de semanas. ¿Por qué trabajar tan rápido?
La mayoría de las películas que dirijo giran, de una forma u otra, alrededor de la literatura. Son películas artísticas, que claramente no aspiran a volverse blockbusters. No hago esas películas para que las vea la mayor cantidad de gente posible, las hago por otras razones. Entonces, tengo que ser razonable con el presupuesto y filmar rápido. Es la condición sine qua non de su existencia. Además, todos los proyectos no requieren el mismo nivel de terminación, de perfección. A veces, obtenés un mejor resultado trabajando rápido; se capta una energía especial, algo crudo. Sería contraproductivo pasar más tiempo en eso, gastar más dinero.

“Al dirigir mis propias películas, me di cuenta de que el jefe, en el estudio, es el director, no el actor. Punto. Es su película, y los actores están ahí para servir a su visión.”

¿Cuáles son las otras razones que te llevan a hacer esas películas?
Me gusta enfrentarme a la dificultad de las adaptaciones literarias. Este otoño filmé una adaptación de Mientras agonizo de William Faulkner; es una obra maestra escrita hace ochenta años cuya estructura es tan extraña que nadie se animó a hacerlo. También adapté un libro de Cormac McCarthy, Hijo de Dios, cuyo protagonista, Lester Ballard, es muy sombrío. Es un asesino, pero no llega a tratarse de un thriller, es bastante difícil de ubicar. Ese tipo de desafíos son los que me interesan.

¿Y no te frustra que tus películas sean casi privadas o solo vistas en festivales?
No, porque sé que encontrarán su lugar algún día. Algunas de mis películas preferidas casi no fueron vistas cuando salieron.

Te gusta Fassbinder, ¿no?
(Su mirada se ilumina) ¡Me encanta! ¿Cuántas veces escuché a la gente decirme “James, hacés demasiadas cosas, deberías calmarte, tomarte tu tiempo, etc.”? ¡Fassbinder hacía a veces tres o cuatro películas por año! Trabajaba todo el tiempo, a fondo, y en proyectos muy diferentes, y no todos aspiraban a ser obras maestras. Me influyó mucho, y también a Harmony (Korine). Hay una frase, inspirada en Fassbinder, que me repito seguido: “Yo construyo una casa. Esta película será la sala, esta otra el dormitorio, aquella será el baño, esta otra el granero. Grande o pequeña, cada habitación tiene su utilidad en una casa, y lo importante es poder habitarla”.

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Otro punto en común entre varios de tus proyectos es el tema de la homosexualidad. Filmaste películas sobre Allen Ginsberg, Kenneth Anger, Hart Crane, Sal Mineo, sos el amante de Harvey Milk en la película de Gus Van Sant… ¿Qué es lo que te fascina de eso?
Me interesa mucho el trabajo de toda esa gente. Para mí, son poetas antes que homosexuales. A veces integran ese aspecto a su arte, y otras veces no. Sé que eso despierta la curiosidad de la prensa, que piensa que soy gay porque actúo o hago películas sobre gays. Que escriban lo que quieran, no voy a detenerme para silenciar los rumores. Me da lo mismo, mientras no sean difamatorios [N. de la R.: Franco fue recientemente acusado de ser un violador, sin fundamentos]. Una vez esto aclarado, el hecho es que estudié mucho la teoría queer y su aplicación a las artes. Interior. Leather Bar, una variación alrededor de Cruising de William Friedkin, que acabo de presentar en Sundance y en Berlin, está directamente relacionada con mi interés por esa cultura. Nos obliga a preguntarnos de otra manera ¿quiénes somos?, ¿cómo nos definimos?, ¿cómo interactuamos con los otros?; preguntas que me interesan, en tanto artista, y la sexualidad tiene un papel enorme en todo eso.

¿Y qué hay del documental sobre Kink.com, el sitio porno BDSM (bondage, dominación, sadismo, masoquismo), que produjiste?
Se inscribe en la misma problemática. El BDSM, ya sea hetero, bi o gay, forma parte de la teoría queer porque implica interpretar un papel, llevar una máscara. Decidimos lo que somos, lo que hacemos, según algunas reglas particulares que reproducen las dominaciones habituales de la sociedad. Me fascina la distancia entre lo que se ve en la pantalla, la sumisión a niveles extremos, y lo que pasa afuera: intercambio, amor, amistad, ternura. Me fascina esta oscilación entre el dominio y el abandonarse.

Desde que dirigís películas, y por lo tanto actores, ¿cambiaste tu manera de actuar?
Sí, muchísimo. Antes, solo tenía una manera de expresarme artísticamente: la actuación. Entonces, me ponía una presión enorme. Quería controlar todo, hacer como si cada papel fuera mi creación. Eso muchas veces me hacía difícil la existencia. Me odiaba cuando no estaba sincronizado con el director. Volvía infelices a los otros y a mí mismo, no aguantaba más. Al dirigir mis propias películas, me di cuenta de que el jefe, en el estudio, es el director, no el actor. Punto. Es su película, y los actores están ahí para servir a su visión. Aprendí entonces a hacer concesiones como actor, a confiar, a abandonarme.

“La mayoría de las películas que dirijo giran, de una forma u otra, alrededor de la literatura. Son películas artísticas, que claramente no aspiran a volverse blockbusters.”

¿Alguna película en especial te hizo comprender eso?
Sí, creo que trabajando en Harvey Milk con Gus Van Sant y en Pineapple Express con David Gordon Green. En esa película aprendí una gran lección: “Just relax and have fun!”. En cuanto a Harvey Milk, trabajaba con mi director preferido y uno de mis actores preferidos, Sean Penn, entonces simplemente descansé en su talento. Aprendí a confiar.

¿Hay algún director con el que soñás trabajar?
A decir verdad, creo que ya trabajé con todos mis héroes. Haría cualquier otra película con Gus Van Sant, Harmony Korine, Sam Raimi o Danny Boyle. Estoy muy contento de lo que hice en estos últimos cinco o seis años. Todavía soy joven, pero creo que ya cumplí la mayoría de las cosas que deseaba hacer al convertirme en actor. Lo que viene después es un bonus. Recibí mucho, ahora quiero dar. Es una de las razones por las que enseño.

¿Qué enseñás?
Distintas cosas, en las universidades de Los Ángeles, de California, de Nueva York y en el California Institute of the Arts. Intento darles a mis estudiantes oportunidades, recursos, ayudarlos al máximo, presentarles grandes actores para que puedan colaborar con ellos. Es un cambio total de perspectiva para mí. Ya no me pregunto cuál será el próximo gran proyecto que va a aumentar mi cotización. Cada gesto artístico no tiene que ser una elección de carrera. Se trata, en cambio, de ver cómo va a ayudarme a descubrirme a mí mismo, y cómo puede ayudar a otro artista a avanzar. Ahora me concentro en los otros, o en pequeñas cosas, y me hace feliz, muy feliz.

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Descendiente de sicilianos, a primera vista Adrián Francolini (40) parece una mezcla de capomafia con rockstar, de tano excéntrico con artista punk. Su territorio es lo que él mismo bautizó como la Little Italy porteña: un puñado de cuadras palermitanas sobre la calle Gorriti donde abrió en 2007 Il Ballo del Mattone, una trattoria donde las veladas pronto excedieron lo gastronómico para convertirse en un polo cultural. “Me crié en una despensa italiana, entre neones y jamones. Eso me quedó impregnado”, dice Francolini, que pasó más de una década trabajando en otros restaurantes italianos. Hasta que decidió concentrar la tradición culinaria de su familia y sumó hijos, mujer y sobrinos a un proyecto que comenzó con Il Ballo y se multiplicó en otros restaurantes que ayudó a crear con su impronta personal: una energía desbordante que ahora concentra en la trattoria originale y otro local, la trattoria culturale, donde funciona la galería de arte Mattone.

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“La gastronomía y el arte necesitan creatividad y juegan con la percepción de las personas. Nos ayudan a conectarnos y juntos se potencian”

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En esta recalan artistas como Milo Lockett, el fotógrafo Chino Zavalía o Pedro Cuevas; la presentación de una marca de indumentaria puede terminar con Fabio Alberti vestido de novia, y un caramello de burrata, plato insignia de la casa, puede acompañarse con artistas pintando en vivo. “La gastronomía y el arte necesitan creatividad y juegan con la percepción de las personas. Nos ayudan a conectarnos y juntos se potencian”, dice. Los últimos miércoles de cada mes son los Mattone Happenning, y para septiembre el tano incansable ya está preparando en las calles de su pequeña Italia el festejo en honor a San Genaro, patrono de Nápoles, celebrando “las tradiciones que hemos recibido de nuestros inmigrantes y también la amistad, los sabores y el gusto por la vida”. 

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La muestra Los adoradores del Sagrado Corazón de Milo Lockett inaugura el 15 de mayo. Mattone Gallería (Gorriti 5950, CABA).

>> ilballodelmattoneblog.blogspot.com

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La banda de Ohio grababa –de forma casi compulsiva– gracias a la mente de Robert Pollard, su compositor y único miembro estable. El hombre de las mil canciones (¡más de 1600!), amante del post punk y el rock británico, dejaría en claro la marca de GBV: canciones armónicas y callejeras, verdaderos himnos de antihéroes suburbanos.

Bee Thousand, su séptimo disco, los mostraba más afilados que nunca. El álbum, compuesto por veinte tracks, tuvo una excelente recepción, lo que les consiguió buenas ventas (siempre dentro del marco de “la independencia”), un creciente y fiel público y un contrato con el sello Matador. Según las palabras del mismo Pollard, Bee Thousand demuestra su propia maduración como compositor, sobretodo en “I am a scientist”. Una canción simple y colmada de belleza, de esas que –en apenas 2 minutos y medio– cierran por todos lados. Siempre con las guitarras al frente y la voz cavernosa de Pollard, “I am a scientist” es un juego entre la distorsión y la melodía que, junto con una base certera, arman un bloque inquebrantable.

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El video es una radiografía de la banda, una fiel presentación para todos aquellos que –en ese entonces– recién los descubrían. Pollard y sus secuaces se muestran en paisajes suburbanos, anfiteatros tristes y vacíos e imágenes de la banda en vivo, haciendo sus habituales saltos y patadas. Todo esto en un rígido blanco y negro que denota cierta nostalgia y calma, una perfecta compañía para el sonido de un himno notable y fundamental. / Nahuel Ugazio

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Un grupo de adolescentes californianos entran a la casa de Paris Hilton para robarle carteras y joyas. A un chico mexicano de diecisiete años le matan al padre y violan a su hermana. Una joven francesa dice tener veinte para prostituirse con ricos clientes en hoteles de París, aunque sólo tiene diecisiete. Otra chica de la misma edad se escapa de su casa cuando el nuevo marido de su madre se muda allí. Y así, en casi todas las películas vistas en Cannes hasta el momento.

Si hay un tema que recorre el festival en sus primeros días, ese parece ser la adolescencia y sus complicaciones (hasta El Gran Gatsby tiene su lado teen, ya que Tobey Maguire no parece crecer nunca). En The Bling Ring, Sofia Coppola hace su Spring Breakers light al contar las desventuras de una banda de chicos de Beverly Hills que, aburridos de dar vueltas por la ciudad, no tienen mejor idea que entrometerse en casas de celebrities y robarse sus prendas de marca. La directora de Perdidos en Tokio los muestra con una mezcla de cariño y sorna: son la banda criminal menos peligrosa del planeta y su máximo placer es ir a la escuela con una cartera Prada de Lindsay Lohan. Son tan inofensivos como tiernos.

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Todo lo contrario sucede en Heli, de Amat Escalante. Estamos en pleno México narco, con policías, fuerzas de seguridad y traficantes metiéndose en la vida de una familia que quiere pasar sus días tranquilamente. Es que la hermana del tal Heli no tiene mejor idea que empezar a salir con un cadete militar que se roba unos paquetes de cocaína decomisada por la Fuerza. Y lo van a buscar: a él, al hermano, a Heli, al padre, al perrito (al que matan como si abrieran una lata de mermelada) y al que pase cerca. El asunto se volverá espeso, demasiado espeso, con una escena de tortura que será seguramente recordada dolorosamente por los espectadores varones.

Hay tres películas francesas de la programación que tienen a protagonistas adolescentes. En competencia está Young and Beautiful, de Francois Ozon, en la que la chica que da nombre a la película (es realmente “joven y bonita” y se llama Marina Vacht) también tiene un muy buen pasar económico, pero parece necesitar algunas emociones fuertes en su vida y no tiene mejor idea que prostituirse en hoteles parisinos. Hasta que, bueno, las cosas se vuelven complicadas – Viagra incluido. Y la familia, digamos, no lo toma muy a bien…

Por su parte, en The Past –filmada en París por el iraní Asghar Farhadi, director de La separación–, también es una adolescente la que hace explotar la térmica familiar cuando, furiosa porque su madre (“nuestra” Berenice Bejo) empieza a vivir con su nueva pareja, se escapa de la casa y enreda todavía más la situación. La película funciona como una especie de policial de los sentimientos, ya que es ella la que cree tener el secreto de por qué la ex mujer del novio de su madre intentó suicidarse y ahora está en coma. La respuesta, aparentemente, estaría en algún email forwardeado a la persona equivocada. O tal vez no, cosas del gmail…

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Sara Forestier (L’Esquive, El significado del amor) queda embarazada, se escapa de su casa y se enreda con un delincuente y todas esas cosas terribles que pasan en algunas películas francesas. Se trata de Suzanne, de Katell Quillevere, vista en la Semana de la Crítica. Es, de cualquier modo, una muy buena película que explora el lazo familiar entre un padre viudo y sus dos hijas, pero que no deja sufrimiento por repasar en su recorrido de décadas y décadas aparentemente inspirado en la homónima canción de Leonard Cohen que cierra el film, en una excelente versión en vivo de Nina Simone.

Hasta en A Touch of Sin, la película de Jia Zhang-Ke en competencia, los adolescentes están en el centro de la acción. Aquí son cuatro historias separadas, y la última de ellas la protagoniza un joven que tiene un accidente en el trabajo que lo lleva no sólo a perderlo sino a entrar en una espiral literalmente descendente de peores trabajos y forma de vida. Un monoblock de una de esas enormes ciudades chinas es el escenario en el que se juega la suerte del protagonista de la historia. El edificio tiene nombre: Oasis de Prosperidad. Pero está lejos, lejísimos, de parecerse a la casa de Paris Hilton…

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Énard se revelaba como un estilista cultor de la novela europea más ambiciosa, y además le ponía el pecho a los grandes sucesos de la historia del siglo XX.

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Invitado a la Feria del Libro 2013, Mondadori acaba de publicarle en simultáneo dos novelas aparecidas en Francia en los últimos años. Con una voz completamente contemporánea, la de Lajdar, un joven marroquí, Calle de los Ladrones es un potente relato de iniciación que late al calor de las revueltas de la Primavera Árabe y la crisis económica de europea, sobre todo en España, donde Lajdar termina recalando tras sortear obstáculos de todo tipo. Por su parte, Habladles de batallas, de reyes y elefantes es una pieza de orfebrería que relata las semanas que Miguel Ángel –el pintor italiano, sí– pasó en Constantinopla en mayo de 1506 invitado por el sultán Beyazid para diseñar un puente monumental. Dos extremos que dan cuenta del amplio abanico de temas y timbres en los que abreva Énard, quien con un pie en lo contemporáneo y otro en el pasado, con un ojo en Europa y el otro en el mundo árabe, viene dándole forma a una obra narrativa impar.

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Calle de los ladrones / Habladles de batallas, de reyes y elefantes
(Mondadori)

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David Bowie es un pop star. David Bowie está más allá. David Bowie cruza los bordes. David Bowie es un actor. David Bowie es un diseñador. David Bowie es un artista. David Bowie es un ícono de nuestro tiempo. David Bowie es quien nos está convirtiendo en voyeurs. David Bowie es. Con el potencial del verbo admitiendo cambios infinitos, como lo ha conjugado Bowie en sus cincuenta años de carrera, ese es el nombre de la retrospectiva que se inauguró en marzo pasado en el Victoria & Albert Museum de Londres y que ya es, a esta altura, la muestra del año. Más de cuarenta mil personas compraron por adelantado sus entradas y otras cientas –fans y abuelos, familias y ex setentosos glam– se agolpan a las puertas del museo cada mañana, esperando que abra la exhibición. No es casual que Gucci sea uno de sus principales auspiciantes: entre películas y entrevistas inéditas, objetos personales y manuscritos de letras, pinturas propias –imperdible el retrato de Iggy Pop a lo Eduard Munch– y maquetas escenográficas como la de la gira de Diamond Dogs, entre pantallas de diez metros de altura que pasan videos con tres versiones de Héroes distintas que ponen la piel de gallina, está el correlato del fabuloso mundo estilístico de sus vestuarios. Ahí está el video de Top of the Pops, de 1972, que lo lanzó a la fama con “Starman”, y delante, expuesto, el traje matelaseado de cintura mínima que usa Bowie en su performance, diseñado junto a Freddie Burretti. De Burretti, su colaborador de larga data, se exponen otros hits, como el traje celeste hielo de “Life on Mars”. Están también las fabulosas monoprendas de Kansai Yamamoto: el palazzo negro de vinilo con rayas doradas diseñado para el tour de Aladdin Sane, el mono asimétrico tejido a rayas, acompañado por una túnica blanca decorada con caracteres kanji, mezcla de ciencia ficción y teatro Kabuki, que hizo delirar a sus fans en la segunda gira de Ziggy Stardust. Y más acá en el tiempo, los impecables trajes de corte sartorial del Duque Blanco y sus fantasías de Pierrot en viaje de glitter, como el traje de Natasha Korniloff que vistió en el video de “Ashes to Ashes”. A fines de los años noventa, Bowie colabora con un diseñador apenas conocido por entonces: de Alexander McQueen está el tapado de brocato dorado con el cual canta “Heroes” en Glastonbury en 2001 expuesto delante del video, y la famosa chaqueta Union Jack que fue tapa de Earthling sobre un ejemplar tamaño gigante de Los Cantos de Maldoror. Y entre el vestuario y el sonido envolvente de las canciones –¡por fin una audioguía que sirve para algo! –, ahí queda la estela de sus cambios de camaleón –sus ch-ch-changes– que dejan la impronta de su estilo indeleble en la cultura de nuestro tiempo. Su influencia puede rastrearse al azar del glam a la new wave, de la literatura al teatro y al cine –ver Christiane F., por ejemplo– y de ahí a pasarelas y tapas de moda varias, como la de Kate Moss lookeada como Ziggy en Vogue 2011. Los trajes, expuestos tan al alcance de la mano, le dan carnadura a todo eso: sí, este tipo realmente existe.

Al salir de la exhibición, es imposible no comprar, al menos, unos aros con forma de rayo rojo y azul, símil el maquillaje de su portada de Aladdin Sane, que es emblema de la muestra. ¿El bolso, el póster oficial, el catálogo de lujo con su firma de edición limitada? Agotados. David Bowie, con disco nuevo y homenaje, es hoy moda y furor. Sigue cambiando, y su influencia en la cultura moderna está lejos de terminarse. El rey de la innovación sigue vivito y coleando, larga vida al rey.

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01. Sleigh Bells ” Crown On The Ground”
02. Rick Ross [ft. Lil Wayne] “9 Piece”
03. Rye Rye [ft. M.I.A.] “Sunshine”
04. Azealia Banks ”212″
05. Oneohtrix Point Never “Ouroboros”
06. 2 Chainz “Money Machine”
07. M.I.A. ”Bad Girls”
08. Kanye West ”All of the Lights”
09. Ester Dean [ft. Chris Brown] “Drop It Low”
10. Reema Major ”Gucci Bag”
11. Can “Halleluwah”
12. Kanye West ”Power”
13. Klaus Schulze ”Freeze”
14. deadmau5 ”FML”
15. Brian Reitzell and Daniel Lopatin ”Bling Ring Suite”
16. Phoenix ”Bankrupt!”
17. Frank Ocean [ft. Earl Sweatshirt]  ”Super Rich Kids”

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